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    逃脱 The Outrun (2024)

    最近更新: 2024-11-25 正片

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    本片基于艾米·利普罗特所著回忆录，她和芬沙伊德改编剧本，讲述刚从康复中心出来的罗娜在离开十多年后，回到了苏格兰的奥克尼群岛，回到童年时的牧羊场，再度体会到了自然之美和静谧的珍贵。

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    • 豆瓣 7.1 IMDB 6.5 正片
      여행자의 필요
      2024
      剧情片
      韩国

      旅行者的需求 여행자의 필요

       여행자의 필요
      • 豆瓣网友的评价
      • 简单空虚的英语措辞很东亚；做事的目的性很东亚；先入为主的“不信任”很东亚；血缘的以“爱”之名很东亚。中规中矩
      • 有于佩尔的洪常秀很容易进入三大主竞赛，但有于佩尔的洪常秀常常也是他最无聊的作品。我想本质是因为语言，英语对白限制了洪常秀御用的韩国演员在长镜头里去表达更复杂和有趣的想法，语言限制简化了沟通中更微妙和深邃的部分。洪常秀自然抓住了这点，他让我们看到韩国人在外国人面前贫乏的心灵，无趣的共性。但除此之外，旅行者并没有让我们看到更多。好在，我对现在的洪常秀并没有太多期待。不是洪常秀剥削于佩尔，真正剥削于佩尔的是需要她走红毯的电影节选片人。
      • 柏林首映为了看于奶奶教法语错过了duolingo60天的连胜纪录，值得。散场期待得到一个来自东亚人的眼神确认，然而隔壁小姐姐全程打哈欠。这次角色互换一下，终于给欧洲人一点来自亚洲的文化震撼！
      • 恰到好处的尴尬、词不达意的语言、重复的自我判断、人与人的了解…洪说他又不知道自己在拍什么，我也不知道我看了什么，但我知道这东西好看的。近三年他的作品里最好看的。
      • 在东亚社会规范下被束缚的表达和被压抑的真实情感指向了语言的溃败、感受的无能、自我重复和自我欺骗。于佩尔作为一个在韩国教法语的旅行者，作为一个异文化的外来闯入者，她的视角像手术刀一样一下子在凝滞的东亚话语空间撕开一个口子，揭露出它的荒谬与空洞。 人物在固定机位中被限制在狭小交际空间内，几组人物几乎总是占据整个画幅，直到一方终于忍受不住离开摄影机画面，交流中的压抑、窒息、局促扑面而来。 最后主创交流环节也还原了电影里范式化的空洞语言，笑死我了
      • 于少女演的是在韩国旅游的法国人，我在复习的是那些年在法国旅游的我自己。 开篇几个学生被Iris追问“你内心真正的感受是什么？”那一下想起dm里PAB问我“你觉得你自由吗？”绞尽脑汁去搜刮英文词形容自己的生活，和自己的感受。 英古对Iris的心动里多少是“我不能”的羡慕，也像极了那些年无数次旁观法国人日常生活的我。“我想要”但“我不能”。 东亚人太容易被法国人，尤其是搞艺术的法国人迷住了。用电影里的话说是，“生活得很真诚”。 我们的文化里有种不安全感。 电影最奇妙的地方还是语言，韩国人和法国人用英语交流，在不多的词汇里，感受很复杂，表达却因此暧昧、重复而简单。这种短暂让人们变得藏也好藏，直接也更直接。 我想我爱的那些法国人了。[苦涩]
      • 4.5 当无法表述音乐时，当无法使用母语时，当两代人无法对话时，当言外之意作祟时，那里就有一道语言的边界，也有一个影像的真理。
      • 把于阿姨当镜子照出东亚社会现状很有意思，其它的尬聊变奏如何生活都在以前的洪片里看过很多了，但也依然有效
      • 于佩尔拍拍权海骁的肩是我2024年观影的年度时刻。
      • 3.5#berlinale74#還是韓國人最了解韓國人的蠢笨和慘白。于佩爾作為一個外國人，不管她的過去是怎樣的，來了韓國，一個以洋人至上的國家，反正是餓不死（甚至活得還挺滋潤）。順理成章當了法語老師（哪怕沒教過），跟學生嘮嘮無聊的家常和詩歌就能賺錢，坐在路上也能被韓國年輕男孩帶回家過日子。嗯，這麼魔幻的事情，放到韓國這個地方都能實現。最逗的是，戲謔的對話重複了兩遍，韓國大眾的內核完全是一坨shit。這讓我想起youtube上那些喜歡紀錄學習生活的韓國人，其實呢，都是自我感動式的悲哀。電影字幕是德語的，韓國人的狗屎英語聽上去太難受了。這片不要說什麼剝削于佩爾了，人家打造的就是這麼個故事。我愛這片，洪尚秀也是聰明，這個國家要是不偷盜點文化，真的就剩下吹噓財閥爸爸蓋大樓了。
      • 法国人和韩国人用英语交谈，对于双方来说都是非母语，信息的传递肯定会有些偏差，尤其是在诗歌翻译上。没有教科书，有指引卡的教学方式，希望找到一些能够让心与外语同化的句子，以更好地培养对外语的敏感。韩国人的英语都由同一套教学模式培养而来，教学模式又会限制学习者的想法，所以两个学生对于自己所弹奏的音乐的感知力也出奇一致，包括后面都会不约而同地想到自己的父亲。法国人的热情与韩国人的含蓄再次进行一次对撞，喜欢喝大酱汤的男友愿意为了于佩尔天天吃面包和沙拉，甘愿为了爱情放弃内在关于民族性的成分，或许这也是于佩尔最后会将他的家当成旅行者的需求的原因。
      • #Berlinale24# 最极致的尬聊，最极致的享受。洪氏宇宙里所有的梦境、心理活动、词不达意和情节变奏都可以视作一种剥洋葱式的能指所指游戏——最妙的是剥到最后往往发现没有东西，一种纯粹的语言学趣味。所以这部里终于用到母语和外语的对位（学习/使用外语—能指所指重新拼接），以及最后借角色之口喊出自己的真假之辩，或许可以视作洪对自己创作生涯的又一次阶段性总结。能在电影宫看这样一部欢声雷动的洪片，实在是太幸运了。映后掌声三分钟，有希望金熊吗？
      • 白底黑字，明亮的片头照亮迟到者进影院之路，多么慷慨的洪常秀。融合《在异国》语言之错位和《江边旅馆》诗的生成，如此诚恳地揭示了电影的构造，声音对影像，叙述对物质，如同《卡车》。当镜头对准虚焦的叶子，我们期待前景有人经过，攫取我们的焦点。但诗就生成于落空之中。结尾是一场男女脑中的追逐。于佩尔坐于危崖之上，意识到这是一个庸俗的诗境，于是放弃，转而选择了另一块朴素的大石躺下。男人追寻着她的“索引”，路过昨天的她，因为那已不是她，路过平庸的诗意，最后与女人相逢于山顶，何其惊心动魄！
      • 为了和于佩尔合作而合作的结果。这台词写作水平真是难绷，算是开眼了。只能说不愧是洪，洪氏尬学尬穿地心。@Berlinale74
      • 看似回复以往诙谐的小品情境，实际上，原班人马的交流走向异陌化（仅看对话的部分，有点像《在异国》，但做的没那么小品；相比之下，比较像《引见》，段落重复、内容单调的对话结构，比小品更有训练场景的感觉），尴尬升级为隔阂（直白的喜剧性提升为更大范围的僵硬感），语言使用的转变不是本质的原因，衰老才是（如上所述，主题走向宽泛、甚至虚空，创作心态不再有喜剧讽刺的锐利）。结尾的时空穿插，大概是对人与人之间朴素而偶然的相遇的一种怀念吧（回归初心）。
      • 【A】真笑yue了，应该是洪这几年来最幽默的一部，完全参透了语言本质。相比之下第三阶段的变奏并不是很必要，延续前两部分的简单就好，不过还是很高兴又看到了不一样的洪。ps收回昨天的话，三宅唱可以在柏林秒天秒地，但还是秒不掉洪呀。
      • 洪氏神话该结束了吧，不要再来柏林了
      • 好喜欢。我真的时常在日常生活中观察到洪表达的这种尴尬，那些隔靴搔痒的交流，那些词不达意的由衷，但人们往往都假装这些东西不存在，搞得我常怀疑是我自己过度敏感。
      • 【北京电影节展映】中国首映。各路模仿致敬者拍来拍去，最有洪常秀精髓的还只能是本尊。洪这次没有再在视觉上进行新的探索，而是回到此前单纯的散文叙事。对白里约75%是英语，20%是韩语5%是法语。展示了一些东西方文化、生活、教育观念的交流与碰撞：于佩尔用英语和法语读韩国家喻户晓的尹东柱的诗（《序诗》《老路新步》），教科书式学外语VS用外语念出心声，东亚传统母亲VS年轻人的饮食与交友观，精确计算生活的开支VS轻松赚钱随性而活。第三次合作的洪常秀于佩尔已经非常合拍。于佩尔吹竖笛一幕是本片唯一一处打破正序叙事，猝不及防的突然闪回，回到数月前二人最初相遇的时刻，也是当下于佩尔入睡，二人再次重逢的地方。对于一对此时此刻相处融洽、真诚地相互鼓励的新朋友来说，是否了解对方的过去真的有那么重要吗？
      • 这一天，洪常秀开始模仿张律。
    • 豆瓣 7.4 IMDB 7.0 正片
      Bird
      2024
      剧情片
      德国,法国,美国,英国

      鸟

       Bird
      • 豆瓣网友的评价
      • 罗比瑞恩继续献上充满灵性的一流手持摄影。观影途中一度想给五星了(至少四星保底)，但影片最后二十分钟到底是怎么回事？在一个重场戏中对Bird的反唯物主义理解（致命的形似标记）是为哪般，罗戈夫斯基的角色都已经叫伯德(鸟)了，还有必要去还原视觉化的动物形象吗？且一定要完成一次英雄义举，甚至是随后狗狗Dave的起死回生？？对于最后的大和解（女主穿上了那条裙子）我只想说强扭的瓜不甜。阿诺德这次当然变了，她背离了她长年以来所拥抱的现实主义影像。这不该是一则成长寓言，它所需要的恰恰是拒绝象征。
      • 4.5。在这个艺术电影极速向金钱名利和政治正确堕落的时代，能看到如此生猛充满真挚活力的影像，应该是看电影的人最幸福的事。在互相激烈碰撞的人物背后，伫立在楼顶的Bird身影和小女生温和释怀的笑意是这一年最动人的瞬间，那些快速闪回又转瞬即逝的画面组合宛如人物思绪最潜意识的无序飘飞，但到动情处一切又回归最温情脉脉的黄金时刻。影片有不少缺陷，对音乐的使用过分泛滥，对羽化的处理太过实在，最致命的是结尾多出了那短短的一分钟，本应该结束在女孩和Bird的对视，而不是再次羽化的重复拖沓。但瑕不掩瑜，它的真诚炙热情怀超越了一切关于形式和故事的争论。我琢磨为何有这么多人对这片感到不适，结论是当看者没有准备好对世界持毫无保留的真实感受态度时，它发自内心的真挚就是对人类整齐划一面具的粗暴冒犯。最后，戛纳评委，你们都瞎了。
      • 略无语MV式的阿诺德，总是脑补下一秒就要出现Cardi B的声音，竖屏部分也像手机广告，似乎只有这样才能体现与当下时代的连结。除此之外，还是熟悉的阿诺德———侵入并搅动空间，细腻丰富的情境设计，真挚的底层叙事，对濒临破裂又互相羁绊的情感关系的深度痴迷（还致敬托尼厄德曼？）以及些许自我重复的疲态。提前肯洛奇化。
      • 显性的主题探索中其实有相当一部分更靠近是枝裕和，特指的是后者对一种非血亲非常规家庭构成方式的想象和追要，换言之，父亲该是一个要求凭靠努力来扮演的角色，比“父权”更重要的是“如父”。如果说英格兰的楼底世界在阿诺德的摄影机下露出了幻想的色彩，那么比起幻化人形的大鸟，它更来自这样一种风景：刚完成孤独成人礼的你赶去参加父亲的婚礼，而你亦能把他的雀跃看成“孩子般”天真的。但最动人的也许还该是那一片总在不远的头顶悬停着的超越性，阿诺德意在讲述的是一种自然友谊，大鸟舒展开的臂膀笼罩每一个期待成长但害怕犯错和疼痛的人，除却那些城郊之际陌生小鸟的好意，就连清早的风和摇曳的草都在对她言说，也像那些涂鸦在破墙上由匿名者送来的鼓励：take care of people, and don’t worry，无论如何。
      • 演员不错，电影背后没有很强的创意跟故事，导演一直在重复他之前电影中成功的东西，但在这里没有达到同样的效果。关于鸟的存在，它是真实的还是贝利想象的，是开放性的，但我觉得鸟不该有羽翼的镜头出现，出来反倒low了。
      • 3.5 鳥是被拋到這天地間，自由的、孤獨的；鳥會一直看著你。家的概念中有父母職和保護，而不被在意的幼雛們只能互相取暖，再長大成為另一隻羽翼豐滿的鳥。有非常非常喜歡的部分，電影渴望在現實中邁出一步：奇幻的部分透過膠片動人地閃爍，同時涉及很多獎項面相的題材（Queer、家暴、失職青少年父母），答題的姿態還是退步折損了電影的靈動。
      • 某个角色及其故事线对阿诺德这部片来说几乎是灾难级别的破坏性，尽管剩下的一切都仍然是阿诺德的照常发挥，但也很难挽救回来了。属于是在创作立意阶段出了问题。
      • 整体上还是对阿诺德无感，可是还是觉得她的金棕榈被肖恩贝克给偷走了
      • 满墙涂鸦/寄人篱下/乌黑秀发/不是乌鸦/提枪遛鸟的老爸/一言不合就生娃/贝莉一听就炸/没有任何办法/跃出鱼缸的那匹白马/被男大姐俘获又释放的蝴蝶花/被裙鸟带跑迷失自我的大姐大/不是街娃/懂些激将法/不是任人打扮的吉娃娃/不是替人赚钱的毒蛤蟆/不是代运魔菇的飞行家/摩擦/摩擦/魔鬼的步伐/没有滑板鞋/天黑很害怕/摩擦/摩擦/女巫坏魔法/有了滑板车/天黑还是怕/我想要有个家/我不擅长打架/我是贝莉女侠/梦中的女飞侠/飞翔鸟的宝妈/短发/从头再出发/白马/非白手起家/魔法/重新抓娃娃/了不起的狐狸爸爸/再见啦/再见啦/女孩终究是女孩/听见颜色的女孩/屋顶上的女人/亚当转大人/屋顶上的女人/亚当转大人/屋顶上的女人亚当/转大人/屋顶上的女人亚当/转大人/屋顶上的女人/亚当转大人
      • 平庸之极的阿诺德。曾经她电影的魔法只需要一辆途经的拖车，昏黄的窗玻璃即可表达，如今引进一条完全外来于底层街区的人物线不仅全无有机的生命力，而且将无论是剧本还是调度的刻意造作显露无疑。
      • 完美的coming of age电影：破败公寓里四方的天空，晃动的手机屏幕，温吞巨大的动物，少年父亲的滑板车和烟盒上栩栩如生的鸟儿——Baliey和Bird是贫穷，暴力和混乱里生长出来的童话：你会拥抱我，我会成为你；it really really really could happen. 这个世界没有女导演该怎么办呢
      • 3.5；依然在阿诺德的舒适区——关注底层人的粗粝生活，潜入女性内心之海去触碰世界的残酷，以大量动物隐喻去象征、具化视角和态度，以手持的动荡呈现环境的“扑面而来”和心理的跌宕；不过比照其序列作品来说，整体不算特别出彩，情节偏碎片化，“鸟”过于落到实处的形象让最为出彩的余韵有所破坏。 个人偏向于认为“鸟”是孤独女孩在孤立无援的环境中想象出来的朋友（所谓魔幻，实则是自救），犹如落入凡间 的天使（遥望屋顶那一幕想起《柏林苍穹下》），在你无法支撑时，会伸出手告诉你“一切会好起来”，会完成想象中的正义，人类多么软弱而强大，只要有一点点暖意就足够能活下去，于是我们就这样艰难地长大了。
      • 丰富的触感和知觉体系，特别爱沉默的女主看到每个人物在脑海里闪前片段的设计，仿佛a second thought to linger with，让暴力和温柔、破碎和圆满、脆弱和坚强在角色身上复杂地交织统一。罗戈夫斯基真的太好了（他和巴瑞基奥恩真的都天才选角），对鸟的表现化处理也很爱。羽毛是一个太好的意象，既包裹、温暖又脆弱易碎，甚至还带着成长毛棱棱的痛楚。
      • C / 确实是真挚的电影，真挚到方法论上的矛盾都极其明晰。一方面是精确的概念极其视觉化，它包含了如此敏锐而多样的运动线条与某些时刻神秘而温润的失重感。但另一方面又可以明显感觉到阿诺德刻画人物内在与讲完故事的累赘渴求，集中体现于过分预知的情感铺垫、极度文本化的闪回影像以及后段愈发拖沓的叙事节奏。对短视频的运用也更多是灵光乍现，缺乏更深入的探索。尽管如此放在本届主竞赛也肯定是前几名了。罗戈夫斯基的表演太好，完美的肢体。
      • 让阿诺德拿奖吧！！同样是描述青春时代，比起《鱼缸》的犀利尖刻，这部显然温和慈悲太多。一个12岁的成熟女孩，在大人不成人形的世界里，遇见并梦想成为一只鸟。她波澜不惊的表情下有着对未来生活的强烈期许，比起愤怒，她选择用手建造生活，以行动关爱他人。大银幕许久没有家庭破碎但不将脆弱写在脸上的坚强又稳重的女孩了，我好爱她。Barry和Franz都贡献了非常非常好的表演，Franz简直太美了，鸟的形态在他人类的身体里焕发出独特的弧光。当他展开羽翼的时候，我的眼泪也无法抑制地流了下来。
      • 十几岁为人父母、二十几岁抱孙子的新垮掉一代，加上女孩teenage angst主题，还以为英国人手一个“无耻家庭”。镜头语言太鲜活了，奇幻信手拈来，看完后才发现是“美国甜心”导演，还是那么熟悉的草根诗意。
      • 《美国甜心》到现在的八年间，即使有不愉快的《大小谎言》幕后分歧、和Joey Soloway的两次合作以及纪录片，仍然感觉到她并没有真正的“BACK”，去完成一个足够让大家熟悉（或者“被奖励”）的故事。依然“在路上”、足够让人记住的音乐选用以及并不光鲜仍然混乱的角色境遇…那些让人喜欢的东西得到保留，终于全数归位。在这之外尝试加入的奇幻元素，抑或更有履历的演员所投射的力量；却通通像在做无用的加法。在撕扯着那些熟悉，也被迫将人拽入一种未知。
      • 7.3 弱化了，但更具体的阿诺德。英国现实主义叙事与少女的心事和幻想相结合，抵抗那也许是必然的成长。
      • 令人想起很多“肩膀”，这是达内兄弟《孩子》的“果”，也是艾伦帕克《鸟人》的“因”，之前看过一部动画讲乡村弃婴女童的灵魂彼此温暖，这部电影正好反过来，它讨论的是在另一个国度，那里太多的未成年人过早成为父母，父母尚且未做好准备成人，他们的孩子又该如何面对“长大”，本片的主角就是两个这样的“早产儿”之间的互助，其中的一个也是“灵魂”。父亲的新婚前夜、初潮的到来、怪人的相遇、魔鬼般的母亲男友，这一切对于一个12岁的女孩都那么超现实，以至于怪人的羽化倒没那么突然了，如兄长般的父亲，如闺蜜般的母亲，阿诺德镜头下贝丽的生活远比鸟人更超现实，鸟人也成了贝丽面对生活的超越性与接受度。语汇方面，阿诺德并没有太多新招，朴实的闪回与叠画、手持效果都很美，羊水、笼中鸟、茧中蝶也很明确，手机屏成为新的牢笼是较新的一笔。
      • 一群精神小妹和小伙。。未成年就生孩子，他們的孩子繼續未成年生孩子。。
    • 豆瓣 7.8 IMDB 6.9 正片
      The Room Next Door
      2024
      剧情片
      西班牙

      隔壁房间

       The Room Next Door
      • 豆瓣网友的评价
      • 阿莫多瓦不干装修真的可惜了。
      • 配色十级艺术，绝美画面，经常为两位的脸和穿搭而窒息。出来后和朋友聊，觉得可能是纽约太商品化的原因，我看着她家的天际线、艺术品、书、她租的房子，我脑子里只会去想资产价值，上产者的生命痛苦突然就显得很虚浮了。疾病、痛苦、亲情、寂寞，又有多少人的死亡比这复杂和绝望多得多。
      • 期待拉满也不会失望。死亡的阴霾被色彩、光线与气味，植物、家具与老电影反复驱散，又很快在可视化的身体疼痛与心理焦灼中聚拢，连带着对旧日时光的悔恨，浸入近乎解脱的临终状态。大概是语言体系的变化，对话更轻柔更富试探性，反应的节奏也多了一层困惑，不再如前作果断。围绕死亡展开的宣示、恳求、预告、排演、审问与欺骗，每一幕都令人屏息凝神。斯文顿饰演的女儿的出现，实现了绝佳的超验效果，阴霾终被阳光驱散，一生如此漫长，生死不过一念之间，越来越富有东方禅意的阿莫多瓦。
      • 我一向是不太喜欢这种长文本室内戏的，太招困了，但这个是真好，像是散文。我记得我刚接触编剧行业时，我的老师建议我寻找灵感的方式，是找一家咖啡馆坐一整天，观察路人，揣测他们为什么那样穿着，会说什么，他们的职业，正在经历什么等等。而这部电影对于作为观众的我而言，就像是在一家咖啡馆里窥探一场私人的生活和对话。 当然，客观的说，对于阿莫多瓦本人而言该作在他的导演生涯实在算不上特别的作品，但是今年的主竞赛而言属于上乘之作
      • 故事其实是可以的，但还是建议阿莫多瓦不要再勇闯英语圈了尽快回西班牙拍电影。
      • 不断表现出水土不服的症状，拍得很一般。开头蒂尔达斯文顿在病房起身对朱利安摩尔叙述时，语言就已经被置换成浅薄的形态：语言插入前夫的故事，语言陈述与女儿的关系，语言提出陪伴自杀的请求……阿莫多瓦对形象的使用重新沦为了空洞的装饰，以放置语言所处的看似合适，实则让建立的形象变得抽象、无力，而明确得几乎没有意义的位置。秉持着平淡的阿莫多瓦让濒临死亡的表演都被语言衬托得迂腐，故事过于贫瘠，罗西里尼、乔伊斯、基顿、伍尔夫故作轻松的插入更加显得无趣。所以当那几次步上楼梯的俯拍短暂出现，我们真正看到摩尔的表情，以及目光所凝聚的、仅露出一角的门与门框的特写，才看起来非常珍贵。
      • 没有超过阿莫多瓦的舒适区。1.觉得阿莫多瓦从平行母亲开始，就开始尝试一种“女性重新讲述男性故事”的尝试，在平行母亲里是女儿找父亲，在这个故事里则更直白：“战争是男人的事”，但男人集体失语，因此只能由女人讲述或转述。2.在他的女儿国里，蒂尔达和摩尔的双重镜像绝美，母亲也只能藉由女儿还魂。3.多重引用，致敬，阿莫多瓦还在捍卫欧洲艺术电影最后的尊严。4.我感觉阿莫多瓦在嘲弄近年的左翼政治，“take it easy” 5.一星情感分，三年后再次参加阿莫多瓦电影的首映。蒂尔达临终前的造型像极了我躺在病床上的奶奶。
      • 非常好，甚至感觉自己世界分为有这个电影之前和之后已经非常不同了（上映二刷预定
      • 目前观感最为舒适的一部竞赛片，阿莫多瓦的视觉审美不服不行啊，他片子的美术每每都是沁润心灵的视觉疗愈。这片剧作上最精华的部分还不是数次点出乔伊斯的《死者》作为参照体(片尾摩尔的那次引用是最好的，因为涉及到了叙述主体的转变)，而是蒂尔达斯文顿以女儿一角“重新现身”的最后十分钟，且这时的摩尔已经完成了人物职能的置换，捕获了一种超越其躯体和表情的情感真实，设置太巧妙了，这不比斯文顿一人分饰母女两角的另一部《永恒的女儿》高出太多了，最佳编剧奖可以直接颁了。
      • TIFF24#08｜其实不难想象为什么阿莫多瓦在人生的这个阶段会拍出一部这样的电影。片中Tilda要搬离自己熟悉的家才能面对死亡，而与之对应的，是现实中阿莫多瓦也需要离开西语环境才能处理死亡议题。而隔壁房间和其他所有的类似题材电影最大的区别可能就在于，他即没有困于对往昔岁月纠葛的过度沉溺，也没有让焦虑和恐惧占据议论的中心。他思考的更多是要如何有尊严的死去，又“吊诡”地发现了死亡本身的某些迷人甚至幽默之处。但他当然也绝不是乐观的，那样就成为了《遗愿清单》这样无聊的励志电影。或许在阿莫多瓦的世界观中，死亡是不可名状又有些优雅的恐惧和哀伤，就像片中被轻轻关上的房门，和结尾下起的飞雪。
      • 即便换成英语，阿莫多瓦还是那个一样的他。他用一篇短小的散文，如同跟好友对话一般谈论了一下生死和面对生死。纽约粉色的雪花，郊外林间的鸟鸣，大块明艳的色彩冲击，还有两个女演员那种信手拈来的松弛…都让整部电影即便是在探讨死亡，都那么平心静气，举重若轻。
      • 太平了，而且阿莫多瓦近几年的作品都沉迷于一种相当现代性相当豪华的室内装潢，再配上蒙德里安风格的色块拼接，看多了就感觉呆板而缺乏活力。找来这两位演个室内小品，浪费到了有点暴殄天物的地步。喜剧性别议题最为亢进的创作者变成温温吞吞在床边给你讲故事的大爷，阿莫多瓦终于变成了自己最讨厌的人
      • Ｂ＋/ 鲜明切分的三段，从扁平的城市景观与琐碎对话逐渐过渡到一种对演员/人物的内部观测。摩尔从被动的观众逐渐成为主动的表演者，是面容，是观看的眼；斯文顿从真实的记录者转变为幽魂，是姿势，是变形的身体；外部空间则从叙述性的、文学的回忆剧场，逐渐转向死亡与未来的排练室/放映厅。实存的银幕上，基顿与乔伊斯构成身体运动与停滞的两极；而不断开关的门与窗成为潜在的银幕：当光透过这些空间的边界时，人物的生命被延续。当斯文顿以一个升格镜头漂浮过来时，我们完全无法辨别她是生是死；而当她以另一身份再度划过同样的弧线时，我们反而能确认：影像的身体是如此笃定地延续与激活着现实的身体。而这可能就是如今的阿莫多瓦对世界尚存希望的缘由。
      • 女性帮助女性告别的故事，完全去奇情化的阿莫多瓦，与“痛苦与荣耀”刚好形成温柔的对照。整个剧本如果用西语的话情绪或会更浓烈，英语总有生命不能承受之轻的味道？死亡也能如此色彩斑斓，不愧是我爱的导演，点缀的酷儿元素让人会心一笑…
      • #tiff24 3.5 可能是第一部英文片的壁垒吗，实在觉得叙事有些平淡但色彩台词又挺有意思… but hey至少我今晚跟tilda swinton呼吸同一片空气，她说人此生最重要的三件事无非friendship, arts, and nature
      • 喜欢极了，一旦阿莫多瓦摒弃了《平行母亲》结尾那种他完全不擅长的过分宏大的历史主题而转入那种对于细微情感的描绘之后一切就都对了，那浓烈的色彩、精美的布置、平实的话语和动人的情感是那么让人感同身受。原来当我们的人生步入终点之后再次回望过去，才发现原来并没有什么可惜的和不能丢弃的，年少轻狂式的疯狂性爱和动荡不堪的生活境遇早就让我们与所谓的可惜划清了界限，而那些我们曾认为是遗憾和无法解开的谜团也许到了最后也由不得我们来重新打开，所以就这样安静地走向最后一站吧，为自己打理好能打理好的一切，再让树林中鸟儿的歌声和穿透树叶的阳光带着我们走向“隔壁房间”，那里充满了涅槃而生的希望，被大雪静静保护、等待着新一个春天的破茧重生。
      • 没人觉得阿莫多瓦的色彩很电视剧吗（没有贬义），但就是横竖看不出电影质感
      • 死亡是需要阅历且敏感的议题，许多人避之不及，但或许是恰巧自己也在准备遗嘱，也或许是已经经历了一些类似的生离死别，对我来说阿莫多瓦能把这个题材拍成这样已经无可指摘。区别于哈内克的《爱》，阿莫多瓦用他惯用的大量色彩和时而严肃时而调侃的对白，把死亡拍得更轻盈更幽默，举重若轻处处流露出对生的向往。尤其在后疫情时代宛若世界末日的我们，或许更应该向死而生。那乔伊斯笔下沉寂静默的雪，终会降落，铺满整个爱尔兰。而生死契阔，与子成说，生命即便如三岛由纪夫般短暂，“想起那天雪花飞舞的早晨，即使翌日晴空万里，我的心里仍然不停地飘着幸福的雪花。”
      • 比较负面的评论好像都觉得它缺点什么，但缺点什么的感觉可能才是它最好的地方，不知不觉我们已穷尽对意义的追求，看过无数次的故事只在想象的补全中，然后就到了。
      • 【B】@ Lincoln Center 是很美的，色彩非常漂亮，Tilda的穿搭每一件都想买，但这个故事真的太昂贵了，你能看到纽约最美好、最平静、最老钱的一面，我无法抑制自己去想她这些时装的价格，一粒安乐死药物的价格，一个月豪宅的租金。我太难和不同阶层不同种族的人共情这样一个相当自命不凡的故事。
    • 豆瓣 8.5 IMDB 7.9 HD国语
      Perfect Days
      2023
      剧情片
      日本

      完美的日子

       Perfect Days
      • 豆瓣网友的评价
      • 拍的太好了。整个戛纳唯一在关注生活的导演。没有故弄玄虚，没有炫耀手段。那些说这是精英阶级童话的朋友也是在幻想工人阶级的苦痛。工人阶级连发现一朵花美好权利都没有，只能咆哮才能满足你们的猎奇，赚取你们的眼泪吗。难道吃饱一顿饭，晚上看看书，拍张照片都要被归为精英吗？还是说，你们被大多数人比你们拥有完美生活的事实吓到了？
      • 文艺逼老了之后，首先不会停止摄影，随身携带傻瓜相机，对无意义的树木按下快门；毕生收藏的摇滚磁带要规整地摆在床边和车里，不会轻易挂咸鱼；有阅读的习惯，但一天也看不了几个字；偶尔去酒馆，但不酗酒。躺在床上的时候用4:3画幅回想过去的黑白往事，可以不是具象的，每当有暖色阳光洒在脸上，要流露出慈祥的笑
      • 残忍而不自知的电影，文德斯生涯的败笔，但或许会将役所广司送上影帝。劳动不论如何也不应被美化，更不该用自我感动去稀释，劳动就是劳动自身，即便它被树影，胶片机，磁带和小奇遇点缀。正相反，这些空洞的装饰反而将“清洁工”也收编进了某种资产阶级目光下的收藏品中。文德斯没有资格去审视一位清洁工的生活并将其比作“完美的日子”，我们之中也没有任何一个人有资格。
      • 从“德州，巴黎”到“东京，公厕”，文德斯的主题从Lonely变成了Alone。孤独的人不一定是可耻的，他可以每天从事千篇一律的洗厕所工作，而生活并未因此失去各种颜色。这种低欲少物质而精神富足的日子，我虽不能至，然心向往之。世界很大，足够容纳无数个小世界，认为劳动工作者不配享有文青生活的人究竟是有多愤世嫉俗啊？
      • 看得如醉如痴。一个独身中年厕所清洁工，看福克纳书、听地下丝绒音乐，品味好。清洁的厕所是日本著名建筑师设计，个个精彩。独身生活，由良好生活习惯、整洁小屋、自动售卖机、音像店、冲印店、旧书店、洗衣房、公共浴池、熟人酒吧、小饭店稳定支撑地井井有条，想想上海摧枯拉朽的速度，一身冷汗。弱智儿童、孤独午餐者、幻想超人的流浪者、不理解他的妹妹、无法自洽辞职的同事、亲一记女青年、“现在是现在、下次是下次”的外甥女、一起玩踩鬼的患癌症的酒吧老板娘前夫，各种人群与他而言，都有触动反应，但无法撼动他稳定内核。豆瓣有人质疑这是童话，是阶级歧视。我则认为，文艺的力量不就是让你活成一个精神生活有要求，日常生活有细致感受，社会生活有良好控制力，常常因为内心丰富的感受不自主露出笑容的人吗？难道文艺只属于非体力劳动者才合理？
      • 开始还很好奇，他到底有着怎样的过去？看到最后，开放式结局让人长舒一口气，因为更重要的是他想要经营出怎样的现在。影片过半我意识到，这就是我现在最想要的生活：每日早起开车边听磁带边去工作，中午去庙前坐着吃三明治看阳光穿过树叶，下午去澡堂洗澡，晚上回家读书睡觉，周末洗衣服买二手书洗胶片下馆子。片子最后，他开着车，望着远处日出金光闪闪，不自觉湿了眼眶，我在屏幕另一边与他相互凝视，泪流不止。这种感情，少了点悲伤，多了点平凡的感动。生活很多苦难，但还好，他选择以最简单的方式来对抗。捕捉树影人影风影，品味生活最微小最美好的瞬间，每天花很多时间与自己相处、思考、发现，朴素而诗意，也充满希望，这就是完美的日子。
      • 本届戛纳又一个无产阶级形象。一个劳动甘愿的、艺术化自己生活的无产者，还让一些有特权先睹戛纳片的资产阶级义愤填膺了，哈哈。太tm逗了。本片是文德斯对日本的现实童话想象——贫寡但低压力，不参与成绩暴政，水泥森林里的隐士。说他是个积极的东方主义都行。这只是一个可能性，我也很怀疑资本主义给不给这个机会实现。这部片主打的还是天真，没那么复杂的zz主题，更谈不上社会危害。文德斯就是这股子天真让人觉得好。
      • 文艺的前提是工作量不能太大hhh
      • 我不认为这是对体力劳动逆来顺受唱赞歌，而是对主动选择低欲望社会的自我剖析，而在这一点上东京只是一个载体，放到其他资本主义都市也都能用新的形式成立：白天带着精致齐全的小工具出去打扫公共厕所，路上听听patti smith和van morrison卡带，间隙用胶片机拍拍树影，有熟识的小店和照顾自己的会用演歌腔唱“日升之屋”的老板娘，工作完去泡个汤，晚上回家照顾照顾花草，睡前读读福克纳、幸田文、派翠西亚海史密斯……坐在影厅的老爷们质问：“为什么不反抗呢？为什么不求变化呢？”是啊，为什么呢？在役所广司的角色上就能看见日本从“一亿总中流”到“失落的x十年”
      • 一部关于日常秩序的电影，役所广司像米国公车司机帕特森一样醒来，每天去打卡工作，没有老婆不养狗。不变是一种秩序，整洁是一种秩序，下班搓澡来一杯也是一种秩序。很难讲，这份低阶工作到底赋予了主人公什么，可能仅是切割分配时间，参与到东京某一环秩序本身而已。这点秩序，对大多数人不值一提，对他的中老年人生，却非常重要——如同卡带、文库本、自动售卖机。往大了看，这自然是东京都的一本项目提案，但不阻碍我们以现实的角度，去解读役所广司的生活。事实上，他的日常活动，有70%都和吉井忍《东京八平米》的当下时生活，近乎一样。只不过，他不仅有八平米的生活，还选择了流动，八平米的清洁工作。如同阴翳礼赞，这也是老文青文德斯的“木漏れ日禮讚”。
      • 本片又名：INFJ如何过好这一生。。。
      • 27th Debussy Theatre 8:30-10:33 文德斯必须要回答的是，他是在为谁拍这个电影？我看到独居的aged体力劳动者会想到他孤独死的结局，看到拉着婴儿车找孩子的妈妈会知道这是丧偶式育儿的折射，看到y2k一样的小姑娘会知道她有多大概率面对校园霸凌或年长男人的性骚扰——这就是我们大美东亚。我身边的美国人看到哇哇大哭的孩子和公园的路牌照应了会笑出声，看到锁上门就模糊了的厕所会笑出声，看到从鸟居附近栽移回家的小苗也会笑出声——这是他们看到的大美东亚。我必须要问，他如何或者说有没有想过这种他所歌颂的（来到东京发现厕所很干净所以要拍一部电影）体面的整洁、治愈、“小确幸”的背面是一些人无法在这个文本中获取到的之于他的“想象”同样重要的现实？而一部导演电影多大程度可以牺牲这种现实？
      • #Cannes2023-37 外国导演看日本还是能看出一些些不一样的地方，比如男主绝不会像日本电影里一样坐下来吃有味增汤的早饭，而是一罐贩卖机咖啡就出门上班了。把社会机器上的螺丝钉还原为一个体面生活的人，让后工业化时代的城市机理变得更为生动有机。对于男主家庭背景的一笔带过，而是强调所有“当下”的生存状态，是导演的艺术选择。役所广司这个影帝我颁了。
      • 东京版《Taxi Driver》，役所广司个人秀。可惜文德斯不像斯科塞斯一样出生在纽约，作为外来者对于东京的城市解构自然也就停留在域外视角，倒无可厚非。配乐show off感觉过多，但Pale Blue Eyes和那段车中对役所广司目光的长镜头太契合，Sachiko Kanenobu如此冷门的70s初日本女音乐人的运用没有料到。 结尾揭开役所广司身份背景的时候还有些失望，我认为这样的描述消解了他本能带给观众的身份认同感。不自觉地发问，为何让自己活的节奏舒适而自洽同时具有良好审美就一定得有既得利益的家庭。但结尾让我释怀了，事实上，身份与背景根本不重要。所谓的对于这部片子小资情调，不关注“下层”阶级苦痛的言论。能说出这样的话本身就代表了他们对无产阶级劳动群众的敌视，谁规定劳动人民不能有高雅情趣？
      • 一条评论说"劳动无论如何都不应该被美化更不该用树影，胶带等的自我感动去稀释。这些装饰将男主收编进了某种资产阶级目光下的收藏品中"。的确，影片讲述的是男主的一种"秩序"，但在我的经验里这种秩序通常在劳作中会被很大消耗。但我也不太想和社会性联系起来，perfect就perfect了。也有几个尬点(店主说that's rare, that's lou reed; 导演在秀听了什么好审美的音乐; 女孩亲了男主一下)。但总的说瑕不掩瑜。影像上，"wenders对影像的直觉和敏锐一如既往太好了"。树影，充满神秘和永恒。
      • 简直是为豆瓣文青量身打造的电影，独自一人生活，热爱听音乐、阅读和拍照，日复一日在自己构建的世界中感受到这个世界带来的安稳和美好，而且东京这样的大都市也能够用居酒屋、书店、食肆、澡堂给予他充分的满足。虽然也有往日生活的苦涩和现实生活的偶尔不顺，但他很快就能平衡，进而继续他自足自乐的生活。
      • 我说你们这些男导演真的够了，最近看的三个片子，全是小姑娘爱上老男人，然后还要再加上一个风韵犹存的熟女做陪衬，把女人分成天使和妓女就是你们幻想的模板
      • 骨子裏還是公路片，公益廣告+老男人感慨光陰逝去的碎片，然後有點水土不服。文德斯的創作邏輯一定是首先發現日本公廁很有趣以及收集了很多footage，然後努力套了個極度平庸的劇本。不得不說他對影像的直覺和敏銳一如既往太好了，那些關於陰翳之禮讚有點意思，但是一個聽Lou Reed的日本潔廁大叔實在無法讓人入戲。最後…為什麼老男人都會覺得代表純粹美好的小女孩一定會喜歡自己？
      • 受够了白男白女的发疯做爱，还是平平淡淡的东亚人是我的菜。认真完成的工作、发现美的眼睛、温暖他人的善心，多么完美的日子啊。
      • 今年奥斯卡最佳国际影片在经过多次筛选之后，还剩下的五部作品之一是这部德国老导演文德斯（45年出生，78、9岁了）的日语电影《完美的日子》！读读豆瓣影评中的这篇采访：《一篇文德斯专访：东京、小津、日本文化和木漏れ日》，可以知道这是一个命题作文，一个日本城市“厕所文化”的宣传片，但文德斯可以拍出现在这个样子，显示了其技艺之纯熟已达“随心所欲”的地步。确立了通过厕所文化写人的旨意后，他用10天的深入生活，17天的拍摄期，就使影片呈现了如此独特的质量。作品虽然还是有些简单、意念，但仍是值得观看的。
    • 豆瓣 7.6 IMDB 7.4 HD中字
      Never Rarely Sometimes Always
      2020
      剧情片
      美国

      从不，很少，有时，总是

       Never Rarely Sometimes Always
      • 豆瓣网友的评价
      • 4.5 还真就那样结束了电影，没有任何说教或和解等等，就像很多人的生活一样，没有意识到的流过了，标准电影语言直接省略，塑造出一种很自然的状态。中间侧方位完美点题处看得我想哭。两位女主也很不错，现场也超可爱，还有点害羞。P.S. 无论是《Lady Bird》还是这部电影，都没有比较的必要性，也没有必要评判哪部更真实，两部基于生活的电影都很真实。
      • 从不期待，很少反抗，有时落泪，总是沉默。
      • 大量的近景与特写营造的压迫感如同无形的墙一样无处不在，恰恰这就是女性所面临的困境：突然有一天要面对全世界，却发现自己完全无力应对的无力感。尽管整体情绪波澜不惊，但是「从不，很少，有时，总是」出现时还是有被击中，这个片名应该再也不会念错了。
      • 会让人想起同样题材的《四月三周两天》，在故事方面，一样是两个女孩的秘密堕胎之旅，一样是有一个女孩作出一些“牺牲”，不一样的是我们看到美国作为观念更开放、医疗更发达的国家，堕胎的女孩已经受到许多医疗与心理的支持，但这趟旅程依旧艰难而痛苦。一个女孩在成长过程中，性别压力或暴力几乎从未缺席。这份痛，值得让更多人去明白。
    • 豆瓣 7.7 IMDB 7.8 HD中字
      Kuru Otlar Üstüne
      2023
      剧情片
      土耳其/德国/法国/瑞典

      枯草

       Kuru Otlar Üstüne
      • 豆瓣网友的评价
      • 用三个小时酝酿许多人一生的厌男情绪，看到后面的我面部都扭曲了。男性习惯了作为上位者操纵权力关系，一旦他受到较之更高的权力的鞭笞，就开始变本加厉地向下施力。如果这种向下的力也被打破，他便无所适从。但是男人的神奇之处就在于他如此善于编织一套对自己有利的叙事，甚至不惜牺牲同僚或是共谋者，也要拾回上位者的姿态。对于他们惊人的自洽能力，我们别无他法，只有不陷入他所设下的语言的圈套，随他做自己故事的主角，由他对干草直抒胸臆。看，他还得时不时主动打破那第四堵墙，才能解决一些生理上的毛病。
      • 顾影自怜的错乱和意淫,je te jure c’est rien de rien,de pire en pire
      • 被狠狠说教到，锡兰已成为绝对理性的社会学导演，人物的眼睛中看不到深渊，只窥见围墙。《冬眠》《野梨树》初露端倪，《枯草》则更为彻底：阐述制度体系、环境构造与人物行为间的互为因果（消极的、虚无的），并最终指向社会道德水准与人类精神归宿。后段男女主漫长的争辩是摊开所有实验变量后的一次排演。还是怀念从前那些超验的神性时刻。
      • 锡兰的水准之作，此次的男主角虽然也属于知识分子，但状态更贴近普通人，这是一个满是缺点的男性，一个热爱爹味教育、好妒自私、自以为是的小镇老师。他在掉落式的百无聊赖的工作里，可以说是“再一次”地凋落，最终以近乎渴求的方式在一个小女孩面前寻求尊严。这依旧是一个契诃夫式的文学电影。 片中的两个女性好有力量，一个虽然是残障人士，但完全掌控着自己的欲望关系和情感关系，一个是处在下位者的女学生，面对反反复复的逼迫也始终不曾服软。两人在影片的最后完完全全甚至是不费吹灰之力地碾压了男主。锡兰的观点也呼之欲出。
      • 锡兰近几部电影的主角都是失败的知识分子，他们刚开始抱有某个明确的目标，随着剧情发展，目标无法实现，对自身命运逐渐失去控制。作为男性的锡兰，以充满审视的笔和摄影机为手术刀，将男主角剖开，其虚伪、自私的本性被一览无余。 锡兰的对话是文学的，后几场会话精彩绝伦。他的视觉则是油画的，设计了独特的透视光，很多场景精美得像点缀着宝石的织物，像博物馆里的古典绘画返回到现实。本片雪的场景让我想起勃鲁盖尔。 几幅静态和动态的肖像，增加了影像的超现实层次，是锡兰一如既往的技巧。男主角打破第四堵墙，既流露出锡兰沉郁底色里俏皮的部分，也说明在恒定的深厚技巧里，他仍留出成长、改变的空间。 过去曾有一个文学与电影热恋的时代，锡兰是那个时代留给我们的最后的大师。
      • 【C】近三个半小时的浅尝辄止。其实不差但是。。太痛苦了，《冬眠》本已经到达这种形态下的天花板，锡兰偏一条路走到黑走火入魔，终于拍成一个中年爹味小知识分子的自怨自艾。拍的最好的一帧还给截出来做海报剧透了。。每次在影院看锡兰都想扇死自己。
      • HKAFF-04-戛纳主竞赛最佳女演员获奖片。影片用197分钟去呈现一个男人枯萎的过程，用结尾的话来说就是这片满是挫折的土地上，人活着活着就内心枯萎了。尽管是部大男主片，但没想到影片中令人眼前一亮的部分却是顽强生长的女性，这也是戛纳授予最佳女演员的原因吧。男人们有太多的诱惑与光芒了，总以为整个世界都是他们的，一点挫折就完全崩溃了。最后致敬中文字幕译者，太强了！
      • 美丽的事物在到达我们之前卡在了我们自己编织的网上 这个电影正是这样 影像叙事的独特美感（最后一个场景）在到达观众之前先卡在了作者不知疲倦的理性反思上（冗长的对话） 当艺术家投向他人深邃而热切的目光 转而只投向他自己时 情感变成一种冷酷的酸楚 人物只是思想的形式 缺乏自然的意图 作者的过度自知限制了影像表达生命自在的可能性 然而它成功地表现了人与人之间建立理解的永恒徒劳 一个理应为他人带来文明之光的教师终究困在自身的局限中 在理性上被她人弃绝 女孩在雪中回望的神来之笔 也映证了语言的无效 他们之间终究隔着银河 我也终究与这种暮霭沉沉、绝望地诉诸于台词的表达方式隔了银河 锡兰的严肃、自省、辩证、谦卑 最重要的是无所畏惧的开诚布公令人尊敬 然而今天坐在电影院里我感到了一种无可救药的对言语的厌倦
      • 一半集《狩猎》，一半集“燃冬”。
      • TIFF 23 day9 第20部 太喜欢锡兰了，这次还是超级多对话，超级多内容。如果我们也能拍出这种对话，聊出那些历史的、民族的、现代的问题该多好。枯草是整个国家的象征，也是人的状态。土耳其的边界村庄里只有两季，冬天和夏天。冬天是绝望，春夏是希望。猥琐老师像是在映射国家问题的根源，来自知识分子的荒诞和自欺欺人。两个女性角色是电影中主动性极强的人物，反衬男人社会的混日子。中间的动态照片和出走摄影棚，算是意外惊喜了。锡兰已经是土耳其大师了，想怎么拍，怎么有！
      • 从《远方》里寄居在伊斯坦布尔的小镇青年，到《枯草》中“流放”在安纳托利亚小镇里的知识分子，我相信锡兰已经在自己影像序列里，构造了一个和契诃夫的戏剧一样伟大的世界，里面充满了一个个悲切的无能的挣扎的个体，而这确是属于锡兰自己的白银时代。
      • 從「默片」成為話癆片的錫蘭。一出以草野和雪原為牢籠的《禁閉》，他人是地獄，他人不是欲念的回響和救贖；永遠存在的「perspective」。節奏有些不穩，最後一段獨白解讀了自己，顯得很多餘。
      • B. 锡兰对于男性知识分子的（自我）嘲讽又达到了新高。这一次，他用可能是他作品序列中最令人生厌的男主角，完成了对“爹味”的解析：道貌岸然、睚眦必报，愤世嫉俗却又沉醉于既得权力带来的掌控感。剧作一面通过两位女性角色讽刺雄性“表演”在本质上的脆弱，一面又借助教师的设定和东部军事管理的背景，将有毒的权力关系指向系统性代代相传的顽疾：我们能留给后代一个怎样的世界？锡兰用语言彻底代替了不可言说的epiphany，他的答案和雪一样冷，而他三个多小时的课件也是如此。2023.5.19 Lumière
      • 溝通或對話無法解決問題，它只能不斷製造問題，而錫蘭正是藉由這樣看似徒勞，甚或帶點悖論的反覆辯證，去思索人性的矛盾和複雜，一再地探問：我們能否超越人性、言語、地域、種族等的限制？捱過絕望的寒冬，遇見象徵希望的春夏？錫蘭給出回答或許令人沮喪：我們是微不足道的枯草，漫無目的地行於一片荒漠之上。但是，兩位女性角色——殘障的女老師和不服管教的女學生，則在言語的疲倦之外，帶來熱愛生活的動力，她們面對困難時的坦誠和活力，除了反襯男性知識分子的道貌岸然、自欺欺人，其實也是錫蘭本人的自我反思：比起喋喋不休的說教／自嘲，行動更有意義。
      • 感觉导演的野心不只是讲一个、两个或者几个故事，而是描绘这个村庄里的整个世界、洞察这个中年男性知识分子的全部内心…风景很好，镜头很流畅，故事也挺细腻。我感觉最有意义的还是对被分配到偏远地区的教师面对贫穷落后的当地现实如何生存并在其中找乐子找意义这点，我觉得刻画得非常好，每个人的不同选择、学校里同事间的关系、村里的各种旁人这些。毕竟男知识分子这些小心思小纠结小权力欲并不新鲜，女性在他们面前的显得坚韧而独立、让他们陷入困惑这也不是新鲜的题材（困惑到上床前需要走出拍摄现场走进洗手间，也是很好笑，但就还，挺真切的……），感觉旁白太多，特别是结尾那里的试图升华，没必要。最让我感动的竟是雪夜里村里老人和年轻人在库尔德人的斗争上的争执那段对话，这才是真·斗争啊，知识分子真的没用……
      • YOU'RE TEARING ME APART, SEVIM!
      • 这不就是我们男的吗无赖幼稚欺软怕硬怪大环境和兄弟喝酒谈异性又急切想获得异性认可有一套吹弹可破的人生哲学一说教就露馅还要提高声量手舞足蹈时刻挽尊一团枯草（锡兰也爹
      • 好长好枯燥，我对抑郁不得志的中年知识分子的内心世界完全不感兴趣；女主和小女孩还不错。大部分以对话形式展开，太沉郁了。
      • 嗨，不丑恶不自私，确实不能叫人，人就是这么面目可憎，每一个都是。无法否认的是锡兰现在比之前任何时候更有深度，但这走入的也是一个绝境，他想表达的复杂性似乎必须得这个体量才够发展出来，而这个体量的结果就是作为电影确实不太必要了，写个小说排个舞台剧也挺好的。唯一的好处可能是电影作为大众媒介可以触及到更多人，不过如他自己所说，又能怎样呢，哈哈
      • 冰天雪地（残酷的小世界）里，渴望离开的美术老师与同屋及残障女孩上演「冬日祖与占」，大量对话讨论现实处境及更广阔的议题，也渐渐剖析知识分子的傲慢和自私。唯一的新颖（迷惑）场景是推开一扇门，穿过疑似片场（？！）去洗手间里吃了一颗药，这个段落来得相当突兀？

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